Il gioco e l’architettura degli ambienti interattivi

Il nostro primo lavoro in assoluto è stato un gioco da tavolo chiamato Escape from the Aliens in Outer Space, che consisteva nel tentativo di fuggire da un’astronave danneggiata e infestata dagli alieni, sullo stile di Alien. È stato il primo gioco che abbiamo pubblicato e distribuito a livello commerciale. Se la nostra azienda esiste è grazie a questo prodotto. Per quanto riguarda la questione sul progresso e il rinnovamento nei videogiochi, siamo dell’idea che questi abbiano un potenziale artistico che finora non è stato pienamente realizzato, per una serie di ragioni. Ogni nuovo prodotto è pensato per innovare, sfidando le convenzioni e i meccanismi consolidati. Si tenta di trasformare i generi o di inventarne di nuovi, adatti ad accompagnare temi e contenuti altrettanto nuovi. Fino a che si manterranno  la struttura e gli schemi tradizionali di gioco – che di solito richiedono di risolvere un problema, superare una sfida o vincere una partita – la gamma tematica resterà limitata, ad esempio, alle situazioni di conflitto. Bisognerebbe anche ampliare il linguaggio delle interazioni possibili. I nostri giochi  non sono identificabili con un genere consolidato, si tratta di un filone nuovo, che cerca di creare interazioni e paradigmi inediti.

Per Triennale Milano avevo curato anche Game Collection Vol. 1 nel 2016. Questa nuova edizione si è concentrata attorno a un tema preciso da sviluppare, ovvero la nostra concezione di gioco, di quello che è e di quello che può essere, in relazione all’idea di processo. Ho cercato di creare un’esperienza partecipativa che unisca creatori, giocatori e pubblico in una comune ricerca dell’ignoto. L’artista o il creatore di giochi, infatti, non è mai sicuro della direzione da prendere, della destinazione. È un fenomeno molto comune in qualsiasi operazione creativa, ma è particolarmente vero per il nostro settore, poiché i progettisti di giochi non creano un’esperienza lineare, ma attingono a un mondo di esperienze potenziali. C’è poi l’elemento dell’insicurezza, dell’incertezza su ciò che i giocatori faranno nello spazio virtuale. Questo è uno dei motivi per cui i giochi sono il mezzo con cui mi piace lavorare: creano uno spazio in cui l’ignoto ha la possibilità di dispiegarsi. Provo una certa eccitazione nel cercare di prevedere e di immaginare cosa faranno gli utenti nell’ambiente che ho progettato. Cerco di attirare la loro attenzione, stimolare l’immaginazione e la creatività, per far esplorare uno spazio che non dovrebbe guidare eccessivamente l’interazione, ma piuttosto ispirarla.

Se penso al mondo dei videogiochi, mi viene subito in mente un parallelo con gli unknown unknowns, che non sono solo le cose che non conosciamo, o quelle che non sappiamo di non conoscere. Mi sono subito reso conto che questo era un tema molto interessante sul quale lavorare; e gli artisti che hanno presentato le loro opere per la Game Collection Vol. 2 sono stati entusiasti di esplorare un argomento che in fondo era già presente nella loro pratica: che cosa faranno le persone con gli strumenti che forniamo loro?

Non ho visitato  questa mostra, ma dalla descrizione si propone come una riflessione sul modo in cui i giochi e l’appropriazione, più o meno consapevole, delle strutture su cui si basano finiscono per influenzare le nostre interazioni nel mondo reale e le nostre strutture sociali. Ammesso che sia davvero così, si tratta di un aspetto molto pericoloso, che può influire sulla società in modo potenzialmente negativo: se si pensa alla mercificazione, all’attribuzione di un valore quantificato a ogni cosa, ecco che ci si trova di fronte al pericoloso binomio capitalismo-gamification. Questo è sicuramente un modo in cui i giochi possono influenzare la società, non necessariamente in senso positivo.

Dall’altro lato, questo attesta anche il potere del mezzo stesso. Il gioco implica un potenziale approccio positivo che ha a che fare con l’astrazione e l’esperienza di sistemi simulati; è un luogo in cui è possibile sperimentare per vedere come un sistema reagisce al cambiamento. Ad esempio, se  il gioco è imperniato su una simulazione politica che mostra gli interessi dei diversi soggetti coinvolti per avere una società funzionante, ecco che diventa uno strumento per aiutare il pensiero critico.

Tornando al parallelismo tra Game Collection Vol. 2 e altre forme d’arte, intendevo dire che idealmente, quando si guarda un film o si legge un libro, si è portati a formulare una visione diversa della realtà e di se stessi, ma anche della società e della politica. Questo è possibile seguendo la psicologia dei personaggi, la loro evoluzione, e la risoluzione dei loro conflitti. I giochi sono molto simili nell’interazione e sperimentazione all’interno del mondo virtuale, come spiegavo prima con l’esempio della simulazione politica. Penso che, valutando lo stato dell’arte delle ultime produzioni curate da un numero ristretto e selezionato di game designer, si possa notare  lo stesso impegno e coinvolgimento verso la condizione umana contemporanea che caratterizza anche gli autori di altre forme d’arte.

Quando progetto i miei videogiochi mi confronto spesso con architetti. L’art director del nostro ultimo prodotto è una scenografa che conosce molto bene l’architettura e ne ha introdotto i principi nel progetto. La sua conoscenza della materia ha finito per influenzare anche la fruizione del gioco, le abbiamo lasciato piena libertà creativa nel creare gli spazi in cui l’interazione si sarebbe svolta. Questi spazi non sono reali, non hanno alcuna implicazione con la vita quotidiana, ricordano una  sorta di architettura espressionista in cui gli edifici sono progettati per trasmettere una sensazione: devono essere in grado di ospitare una scena particolare in un momento altrettanto particolare che dovrebbe invogliare i giocatori a comportarsi in un certo modo. In questo caso, trattandosi di un gioco horror, abbiamo voluto creare i presupposti per fare esperienza di  una sensazione di claustrofobia, del bisogno di fuggire, di sentirsi di troppo. Gli edifici hanno le tipiche scale che non vanno da nessuna parte, sono spazi che diventano sempre più stretti e inseriti nel contesto di un villaggio che non ha senso dal punto di vista strutturale e trasmette una sensazione di disagio.

Il game design che comprende la creazione di mondi 3D ha un rapporto inevitabile con l’architettura, perché si tratta di creare uno spazio potenziale che influisce sulle sensazioni e sui comportamenti degli utenti. Con lo sviluppo di altri generi e l’ampliamento del concetto di gioco, sempre più architetti potranno liberamente esplorare aspetti interessanti della loro disciplina per cercare il modo di utilizzarli all’interno degli spazi interattivi. D’altra parte sono scettico nei confronti del metaverso, anzi, sono tra quelli che dicono che è soprattutto una parola d’ordine per vendere servizi. Molte delle applicazioni e del pensiero del metaverso sono orientati esclusivamente al profitto. L’obiettivo principale è: come monetizzare questa tecnologia? Il concetto stesso di metaverso trasforma i mondi digitali 3D – un mezzo di per sé libero e disponibile per tutti – in uno spazio limitato e caratterizzato dalla penuria. Nello spazio digitale possono esistere copie illimitate di tutto per tutti, per questo può diventare un “equalizzatore” sociale, a cui la logica di mercato reagisce immediatamente imboccando la strada della trasformazione in una struttura di privilegi, classi sociali e proprietà simulata.

Pietro Righi Riva è cofondatore e direttore creativo di Santa Ragione, uno studio indipendente che ha prodotto videogiochi pluripremiati come FOTONICA, MirrorMoon EP, Wheels of Aurelia e Saturnalia. Righi Riva ha conseguito il PhD in Interaction Design presso il Politecnico di Milano, dove poi ha anche insegnato. È stato anche docente al California College of Arts di San Francisco, alla Shanghai Theatre Academy, alla NABA e allo IULM. La sua filosofia progettuale mira a sviluppare giochi con dinamiche non finalizzate agli obiettivi per rendere i videogiochi accessibili a un pubblico più ampio. Le sue opere sono state esposte alla Biennale di Venezia e al MCA di Chicago. Nel 2017 è stato uno dei quattro autori selezionati per No Quarter, la mostra annuale di game design sperimentale organizzata dal NYU Game Centre, e nel 2018 è stato il vincitore dell’Innovation in Experience Design Award all’IndieCade. È curatore del progetto Game Collection presso Triennale Milano.