Fiorucci Made Me Hardcore: una rivoluzione guardata a distanza

La questione della velocità e del tempo sembra centrale nella relazione tra pop e arte. Lo storico e biografo dei Sex Pistols, Jon Savage, sottolinea questa distinzione in Speed, la sezione finale di Time Travel, una raccolta di saggi scritti tra il 1977 e il 1996. Savage identifica la velocità come elemento cardine nello sviluppo del pop, sia come iconografia che come esperienza vissuta e musicale – il flusso di energia tra Elvis e Thirty Seconds Over Tokyo dei Pere Ubu. Nell’introduzione a Time Travel, Savage scrive: “La velocità è vitale perché è uno dei pochi ambiti in cui gli adolescenti sono più potenti degli adulti, e il tempo è stato frequentemente utilizzato per esprimere un atteggiamento ribelle. Basta pensare a Sly Stone che sfida il mondo con le liriche di In Time.”

Il marchio Fiorucci, evocato nel titolo, diventa il simbolo di un’epoca in cui la moda era un mezzo di espressione creativa e sovversiva. Con il suo stile colorato e pop, aveva catturato l’immaginario di una generazione che voleva distinguersi attraverso abiti capaci di raccontare una storia. Questo legame tra moda e identità è centrale nel lavoro di Leckey. Nel video, la progressione degli stili – dai pantaloni a zampa d’elefante del northern soul agli outfit casual dei clubber anni Novanta – racconta l’evoluzione delle dinamiche sociali e della ricerca di appartenenza. Ogni generazione di giovani ha cercato nella moda non solo un’espressione estetica, ma un linguaggio capace di comunicare affiliazioni tribali e ideali di ribellione.

Leckey si appropria di vari found footage per costruire un’esperienza sensoriale che evoca la memoria collettiva; ma le immagini sono spesso rallentate, distorte o ripetute in loop, creando una sensazione di sospensione temporale che riflette la natura frammentaria del ricordo. Qualcosa che si ripercuote anche nella dimensione sonora dell’opera, composta da frammenti di brani e rumori ambientali che amplificano questa sensazione di ambiguità: tanto chiaramente individuabile sulla timeline quanto così atemporale, invitando lo spettatore a intraprendere un viaggio psichedelico nella storia culturale britannica.

Se da un lato la sua tecnica si può serenamente inscrivere nel solco del cut-up letterario inventato dallo scrittore statunitense William S. Burroughs – una frammentazione intenzionale che destabilizza il significato delle immagini e apre nuovi spazi interpretativi – Fiorucci Made Me Hardcore sembra proseguire nel solco di altri film sperimentali altrettanto importanti, come Rock My Religion (1984) dell’artista Dan Graham – le cui opere sono state recentemente esposte in Triennale – evidenziando le affinità tra artisti che hanno utilizzato materiali d’archivio per esplorare il potere della musica e della cultura popolare. Se Graham si concentra sui paralleli tra il fervore religioso e l’energia dei concerti rock, Leckey esplora la danza come mezzo di trascendenza e trasformazione, ma anche come ritratto di una folla di corpi che da lì a breve non sarebbe più stata la stessa.

Leckey non segue una narrazione lineare; al contrario, fluttua tra tempi diversi, mescolando scene di ballo e momenti di interazione sociale. L’elemento unificante è la danza, presentata non solo come attività ludica, ma come un rito collettivo capace di trascendere le barriere sociali e culturali. La danza diventa il simbolo dell’effimero, un atto che esiste solo nel momento presente ma che lascia tracce profonde nella memoria emotiva. Le immagini dei ballerini, colti in stati di estasi e abbandono, evocano una spiritualità laica, un senso di comunità che sembra sfidare le regole del mondo esterno. La nostalgia pervade l’intera opera, ma non si tratta di una nostalgia semplice o rassicurante. Leckey esplora un sentimento complesso, che mescola malinconia e critica sociale. La nostalgia, in questo contesto, non è solo un rimpianto per un passato perduto, ma anche una lente attraverso cui analizzare il presente. È lo stesso sentimento che permea, di fatto, anche l’intera mostra dedicata a Elio Fiorucci, dove quel grande capitolo di stile, arte, moda, cultura pop e imprenditoria italiana sembra sospeso in un tempo che sappiamo esserci stato e aver lasciato il suo segno, ma che difficilmente – chi c’era, ma anche chi non c’era e lo ha vissuto virtualmente – riusciamo a ritrovare nel presente.

In questo lavoro e in altre opere di Leckey, l’artista sembra chiedersi: cosa abbiamo guadagnato e cosa abbiamo perso nella transizione verso un mondo globalizzato e digitalizzato? In un’epoca in cui le sottoculture si formano e si dissolvono con la stessa rapidità di un post sui social media, Fiorucci Made Me Hardcore rappresenta anche un monito, un curioso monumento all’impermanente.

Questa condizione è stata descritta più di un decennio dopo dal critico musicale inglese Simon Reynolds in Retromania: Pop Culture's Addiction to Its Own Past (2011). Il concetto di “retromania” evidenzia l’ossessione contemporanea per il passato, dove i riferimenti non sono più semplicemente citazioni, ma diventano veri e propri pilastri su cui si costruisce il presente. La memoria si fonde con una continua sensazione di déjà vu: di già visto, già ascoltato, già indossato, amplificata dalla presenza pervasiva delle intelligenze artificiali, che esasperano questa temporalità ricorsiva.

Leckey abbraccia questa retromania, ma allo stesso tempo la mette in discussione, evidenziando come la nostalgia possa trasformarsi in un rifugio sterile se non accompagnata da una riflessione critica. Il suo video, pur celebrando la cultura giovanile degli anni Settanta, Ottanta e Novanta, suggerisce che il valore delle sottoculture risiede nella loro capacità di immaginare un futuro diverso, non solo di rimpiangere un passato idealizzato. Le sottoculture rappresentate nel video sono spazi di resistenza all’omologazione, ma Leckey non ignora le contraddizioni intrinseche di questi movimenti. La commercializzazione delle sottoculture, la loro trasformazione in mode mainstream, è un tema implicito nel lavoro, che riflette le tensioni tra autenticità e appropriazione.

Leckey ha descritto Fiorucci Made Me Hardcore come un tentativo di esorcizzare la nostalgia per la propria giovinezza. Infatti, tornato in Inghilterra dopo alcuni anni trascorsi in America, l’artista si trovò a riflettere sulla propria identità culturale e sul significato delle esperienze che avevano segnato la sua crescita. Il video, con la sua estetica frammentata e onirica, è il risultato di questa riflessione: un’opera che cattura non solo la memoria personale dell’artista, ma anche quella collettiva di una generazione.

L’inserimento di Fiorucci Made Me Hardcore come epilogo di una mostra dedicata a Elio Fiorucci aggiunge un ulteriore strato di significato all’opera. La mostra, con la sua celebrazione della moda come arte e linguaggio, trova nel video di Leckey un momento di chiusura simbolica, un invito a riflettere su ciò che resta di quell’epoca di sperimentazione e libertà creativa. La grande tenda multicolore che conclude il percorso espositivo, subito dopo la proiezione del video, diventa un simbolo di transizione, un passaggio dal passato al presente. Le immagini del video, spesso oscurate da effetti visivi e sonori, suggeriscono che il passato non è mai completamente accessibile. Ciò che rimane sono frammenti, impressioni, sensazioni. Questa rappresentazione del passato come qualcosa di incompleto e sfuggente è centrale nell’opera di Leckey e fa parte del suo lessico audiovisivo, di questo e di altri lavori.

Riguardare l’intero percorso della mostra su Elio Fiorucci con questo approccio permette di decostruire i segni pop, i loghi e di riportarsi al principio di una necessità individuale: quella del bambino creativo che voleva evadere da quel banchetto di scuola, e che crescendo ha capito le necessità collettive delle generazioni più giovani di esprimersi attraverso l’apparente leggerezza dei suoi prodotti. Fiorucci, tuttavia, non si è mai confuso con loro: ha sempre mantenuto uno sguardo a distanza sulle cose, vestendo il borghesissimo loden (reperto-chiave in mostra), perché in fondo quelle scene scomposte dei club inglesi e dello Studio 54 a New York non gli sono mai appartenute quanto le botteghe di Milano e i placidi paesaggi dell’Alto Lario.